“卡拉瓦乔会为了得到一份Photoshop而杀人；莱昂纳多则会为了订阅Claude Code做出更极端的事——这是事实。”在2026年巴塞尔艺术展的数字项目“Zero 10: The Condition”中，联合策展人、艺术家特雷弗·帕格伦以这样大胆的比喻开场。“艺术家总是使用一切可用的工具，”他强调，“我们的世界由数字材料构成。我们每天盯着发光的平板——屏幕、手机、腕带、珠宝、汽车甚至冰箱都在贪婪地吞噬每一份微数据。”
帕格伦指出，如今每有一双人眼就有两倍数量的数码相机；每有一只昆虫就对应一万个晶体管。“我们已经如此彻底地赛博格化了自己，‘赛博格’这个概念反而成了过时的古董。”他用自己的经历说明：“我学会3D建模雕塑早于学会翻模和铸造；学会Photoshop早于暗房技术；我甚至从未费心去学线性剪辑（为什么要学？）。我认识的每一位画家在触碰画布之前都会先用数字化方式打稿；每一位雕塑家都在Blender或Rhino中做同样的事。”
“用模拟媒介创作通常意味着将数字化构思的概念转化为物理形式——一种古怪的复古方式，”帕格伦说，“就像音乐家发行黑胶唱片（我也喜欢黑胶）。艺术家用身边的东西创作艺术——他们历来如此。而数字材料正是我们身边的东西。”然而他提出疑问：“为什么数字艺术仍在艺术界的许多角落引发怀疑？为什么我们这个行业适应得相对缓慢？是的，疫情催生的NFT热潮在很大程度上缺乏严肃性，继续损害着人们对这一领域的看法——但‘僵尸形式主义’和其他投机套路也一样糟糕。”
“我对那些不神圣的东西不再多言，”帕格伦坦言，“我感兴趣的是作品本身以及连接数字与传统艺术世界的快速演变的可能性。”他明确表态：“我相信画廊、收藏、策展、批评；相信博物馆、艺术学院、艺术史以及我们共同栖居的社群。最重要的是我相信艺术应该在智识上、审美上和感知上挑战我们。”但他也承认：“很少有艺术作品——无论何种媒介——真正做到了这一点。我对那些讨好观众的作品不感兴趣；对把奇观和市场逻辑误当作观念的作品不感兴趣；对将艺术简化为由拍卖结果训练的系统生成的无限优化的彩色小玩意也不感兴趣。”
“正因如此，”帕格伦强调，“我认为数字艺术值得严肃关注。”他列举了展览中的艺术家——从哈罗德·科恩和维拉·莫尔纳尔到安德烈亚斯·古尔斯基和希托·施泰尔尔；从艾弗里·辛格和约翰·杰拉德到DEAFBEEF和威廉·马潘——以及最近遇到的杰出创作者阿齐扎·卡迪里。“他们都挑战我用不同的方式看世界；向我展示了未曾注意到的事物；让我明白世界并非如我所想的那样。”
这些作品触及当代艺术中最重要的问题：“当机器可以生成图像时，‘图像’是什么？当文件可以无限复制时，‘所有权’意味着什么？在一个已经淹没在图片中的世界里，‘创造’又意味着什么？”帕格伦指出这些问题并不新鲜——“自《吠陀经》、美索不达米亚或拉斯科洞穴以来”，艺术家们一直在处理它们的变体。“在我看来这正是艺术的本质：持续地反思我们以为自己在做的事情。”因为周围的世界不断变化，“Zero 10: The Condition”正是要论证这一点。
通过审视过去五十年间基于指令和计算的作品——从战后实验主义到今天的生成实践——“我看到一条连续的线索：一系列作品将数字化视为一种拥有自身属性、可能性和要求的媒介”，同时伴随着日益增长且更加投入的观众群体。“这是一场跨代际的对话，”帕格伦总结道，“关于在数字时代活着的意义——由那些早在世界其他部分赶上之前就认真思考这些问题的人们展开。”随着生成式AI用没有作者的文字、没有艺术家的艺术品、没有摄影师的摄影作品和没有音乐家的音乐淹没世界，“这场对话远非学术性的”——它是当下核心的文化问题。“这个展览中的艺术家们已经在其中生活了几十年。这就是他们在这里的原因；这就是这件事重要的原因。”
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下届展会时间：2027年06月
展会行业：艺术
